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Poussin & l'amour ; Picasso | bacchanales | Poussin
Nicolas Milovanovic, Mickaël Szanto, Ludmila Virassamynaïken, Zoé Marty, Sylvie Ramond, Collectif
- In fine
- 7 Décembre 2022
- 9782382031070
Considéré dès le XVIIe siècle comme le fondateur de l'école française de peinture, Poussin est aujourd'hui célèbre pour ses tableaux austères, où la rigueur des lignes le dispute à la profondeur des sujets. Mais beaucoup ignorent que Poussin fut à son arrivée à Rome en 1624, et même dès avant, un peintre poète conteur de la toute-puissance de l'amour, du bonheur qu'il inspire et des souffrances qu'il inflige. Rares sont les peintres à avoir traduit avec une touche aussi libre et sensuelle et dans des compositions aussi audacieuses l'érotisme des corps, les plaisirs de l'ivresse et l'intensité des désirs. Rares sont ceux à avoir fait du thème de l'amour le fil conducteur de leur oeuvre : Poussin s'y emploie depuis La Mort de Chioné de Lyon, son premier tableau connu, peint vers 1622, jusqu'à sa dernière peinture, l'Apollon amoureux de Daphné du Louvre, ultime méditation sur l'amour à l'heure de la mort.
Au fil de plus d'une cinquantaine d'oeuvres, c'est à ce Poussin méconnu, voire interdit, que cet ouvrage rend hommage. -
Valadon et ses contemporaines ; peintres et sculptrices, 1880-1940
Magali Briat-Philippe, Pierre-Ggilles Girault, Anne Liénard, Collectif
- In fine
- 15 Octobre 2020
- 9782902302819
Comment devenir artiste lorsqu'on est née femme, à une époque où celles qui appartiennent au « deuxième sexe » ne peuvent accéder à l'École nationale des beaux-arts ? C'est au tournant des XIXe et XXe siècles que les femmes peintres et sculptrices vont lutter pour être reconnues comme des artistes à part entière, passant comme Suzanne Valadon du statut de modèle à celui de peintre accomplie.
Coréalisé par le monastère royal de Brou à Bourg-en-Bresse et le musée des Beaux-Arts de Limoges, cet ouvrage, Valadon et ses contemporaines, révèle le rôle méconnu des femmes dans les révolutions artistiques de la modernité naissante de 1880 à 1940, en réunissant près de 50 femmes artistes.
Célèbres comme Camille Claudel, Marie Laurencin, Sonia Delaunay ou Séraphine de Senlis, et d'autres moins connues, elles démontrent que le talent artistique n'a pas de genre.
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Charles Camoin (1879-1965) : un fauve en liberté
Assia Quesnel, Saskia Ooms, Claudine Grammont, Collectif
- In fine
- 16 Mars 2022
- 9782382030615
Souvent qualifié de « fauve méditerranéen », Charles Camoin (1879-1965) s'est inscrit, par ses liens avec Paris et la bohème montmartroise, dans le cercle de l'avant-garde internationale. Affilié au fauvisme, lié à Matisse, Marquet et Manguin, il n'a pour autant jamais renoncé à son indépendance artistique : « En tant que coloriste, j'ai toujours été et suis encore un fauve en liberté ».
Cet ouvrage permet de redécouvrir l'oeuvre du peintre en intégrant une centaine de tableaux et dessins, dont certains inédits. Il approfondit différents épisodes historiques et thématiques de la vie de l'artiste et analyse l'évolution de son langage pictural, fondé sur la sensation colorée.
Often described as the 'Mediterranean Fauve', Charles Camoin (1879-1965)- through his links with Paris and the bohemian life of Montmartre-joined the circle of the international avant-garde. Despite his affiliation with Fauvism and his friendship with Matisse, Marquet and Manguin, he never abandoned his artistic independence: 'As a colourist, I have always been a free Fauve'.
This catalogue will enable visitors to rediscover the painter's work, and will feature one hundred paintings and drawings, some of which have never before been exhibited. It takes a closer look at some of the main historical and thematic episodes in the artist's life, and analyses the developments in his pictorial language, based on the sensations of colour.
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Atlas Picasso Méditerranée
Emilie Bouvard, Camille Frasca, Cécile Godefroy, Collectif
- In fine
- 15 Avril 2021
- 9782382030134
Cet ouvrage clôt l'ensemble des événements ayant eu lieu à l'occasion de « Picasso-Méditerranée ». Son contenu retranscrit les sujets de réflexion exhumés et développés au cours des expositions et des quatre séminaires de la manifestation, et propose des ouvertures plus larges sur le rapport conceptuel qu'entretenait Picasso avec la Méditerranée.
Les textes, essais transversaux, notices biographiques de lieux et de personnages, focus d'expositions et de sujets thématiques, sont accompagnés d'une illustration généreuse et de cartes blanches commandées à des créateurs contemporains.
Ces grands ensembles permettent de reconsidérer l'oeuvre de Picasso sous le prisme de la Méditerranée et des lieux emblématiques qui associent cet espace vécu et rêvé à l'artiste.
« Picasso-Méditerranée » est une manifestation culturelle internationale qui s'est tenue du printemps 2017 à l'automne 2019. Plus de soixante-dix institutions ont imaginé ensemble une programmation autour de l'oeuvre « obstinément méditerranéenne » de Pablo Picasso.
À l'initiative du Musée national Picasso-Paris, ce parcours dans l'oeuvre de l'artiste et dans les lieux qui l'ont inspiré a offert une expérience culturelle inédite, souhaitant resserrer les liens entre toutes les rives. -
Chaque artiste est convaincu d'accomplir une oeuvre d'exception, une oeuvre plus que méritoire, une oeuvre incontournable. Cependant il ne peut compter sur son seul talent pour gagner la reconnaissance d'un vaste public. S'il le souhaite, mais qui en douterait, il devra s'employer à le faire savoir.
Allez chers collègues, puisqu'il faut vous faire entendre, prenez un porte-voix et répétez haut et fort, sans fausse modestie... que vous êtes géniaux !
Quant à moi, j'ai choisi de le dessiner sur les pages qui suivent.
Ivan Messac -
Maisons : collection du Musée d'Art et d'Histoire de l'Hôpital Sainte-Anne
Anne-Marie Dubois, Margaux Pisteur, Collectif
- In fine
- 2 Mars 2022
- 9782382030585
Sous l'apparence d'une extrême simplicité, la maison permet de développer de multiples images personnelles, des conceptions idéologiques et architecturales, des modes d'existence ou des choix de vie, des projections imaginaires ou des métaphores, des projets irréalistes ou des rêves d'une extrême concrétude, des souvenirs vrais ou faux portés par des perceptions sensorielles et corporelles d'une richesse infinie.
Les oeuvres d'Absalon, Magnus Gramén, Wolfgang Laib, Maude Maris et Tatiana Trouvé apportent un contrepoint conceptuel et contemporain à l'approche d'apparence plus intimiste et spontanée proposée par les artistes de la collection Sainte-Anne, entre la fin du XIXe siècle et les années 2000.
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Pierre Bonnard, les couleurs de la lumière
Isabelle Cahn, Guy Tosatto, Sophie Bernard, Collectif
- In fine
- 11 Novembre 2021
- 9782382030493
Avec pour fil rouge le lien entre la couleur et la lumière, cet ouvrage offre un regard sur l'ensemble du parcours de Pierre Bonnard, de sa période nabie à ses tableaux des années 1920 et 1930 où son style s'affirme pleinement, jusqu'aux chefs-d'oeuvre de la fin de sa vie. Les différents thèmes abordés permettent d'explorer les lieux qui l'inspirent - Paris, la Normandie, la Méditerranée - et ses sujets de prédilection : les intérieurs avec personnages, les nus, les paysages, les natures mortes, avec une attention toute particulière portée à la lumière, naturelle ou artificielle, qui était l'essence même de sa peinture.
Traversé par une douce mélancolie à laquelle l'âge donne peu à peu une plus grande gravité, l'art de Bonnard demeure avant tout une ode à la beauté du monde et à celle du corps féminin.
C'est aussi l'une des rares oeuvres du XXe siècle à offrir autant de bonheur à ceux qui la découvrent. -
Les multiples centres d'intérêts extra-artistiques de Kupka - anatomie, astronomie, chimie, histoire naturelle, philosophie, phénomène de synesthésie et ésotérisme - l'orientaient depuis longtemps vers l'abandon de la figuration. Ce passage, comme dans le cas de Kandinsky, se fait en lien direct avec la musique.
Au début des années 1920, l'artiste s'intéresse particulièrement à la relation entre l'esthétique de la nature, les sciences, et l'art. Son oeuvre est dominée par des formes irrégulières et organiques, s'inspirant des phénomènes physiques incarnant les forces vitales.
Vers la fin de la décennie, suite à une période de crise, l'artiste est à la recherche d'autres solutions stylistiques et s'engage dans la voie de la géométrisation et de l'épuration des formes. D'un côté, il réintroduit dans ses oeuvres des éléments tirés de la réalité, découvre l'esthétique des machines et l'univers de la musique jazz qui lui permettent de revenir sur les interrogations plus anciennes concernant le mouvement et le rythme.
La profusion des couleurs, caractéristique pour l'oeuvre de Kupka, a sa contrepartie dans un recours distinctif au noir et blanc et dans la mise en valeur de leur antagonisme.
Reproduction du portfolio des Quatre histoires de blanc et noir de 1926. -
Le Paris de Dufy
Didier Schulmann, Saskia Ooms, Sophie Krebs, Romy Golan, Collectif
- In fine
- 11 Mars 2021
- 9782382030233
Comme la plupart des artistes de la modernité de la première moitié du XXe siècle qui s'installent dans la capitale, Raoul Dufy n'est pas, de naissance, un « Parisien de Paris ». Originaire du Havre, il quitte sa Normandie à l'âge de vingt-trois ans. Ses explorations le conduisent très vite à Montmartre, où il installe son atelier. Depuis le sommet de la Butte, il découvre le panorama parisien dont il transcrit, dès une première peinture de 1902, le moutonnement de la ligne des toitures et des cheminées, hérissé par les silhouettes des grands bâtiments et des célèbres monuments qui signent et signalent la spécificité de ce paysage urbain. Depuis des points de vue élevés, réels ou imaginaires, et jusqu'à la fin de sa vie, il déclinera sur tous les supports, pour tous les usages et destinations, et dans tous les formats, les infinies variations du Paris des années 1930, vu d'en haut.
Like most of the modern artists in the first half of the twentieth century who settled in the capital, Raoul Dufy was not a 'Parisian of Paris' by birth. A native of Le Havre, he left Normandy at the age of twenty-three. His creative explorations soon led him to Montmartre where he set up his studio. From the heights of the Butte he discovered the panoramic views of Paris, and in an initial painting in 1902 he depicted the undulating outlines of the roofs and chimneys, broken up by the silhouettes of the major buildings and famous monuments that mark and characterise this urban landscape. From real or imagined elevated vantage points and until the end of his life, Dufy represented infinite variations of 1930s Paris seen from above on every type of support, for different purposes, and in every format. -
Unica Zürn (1916-1970) est une artiste du XXe siècle et une femme d'exception. C'est toute l'ambition de cet ouvrage que de redonner une place d'artiste à part entière à celle dont le destin, souvent qualifié de tragique, a pris le pas sur la création.
Malgré une oeuvre aujourd'hui très dispersée dans de nombreuses collections, c'est près de soixante-dix dessins et gravures qui sont rassemblés ici, la plupart ayant été réalisés pendant son séjour à l'hôpital Sainte-Anne, au début des années 1960. Documents d'archives et photographies permettent de mieux appréhender encore son travail de dessinatrice, de peintre et d'écrivain. -
ADOR est le blaze d'un artiste né en 1972 à Philadelphie. Il vit et travaille à Nantes. Passionné de dessin depuis toujours, il s'est rapidement tourné vers la rue comme support de prédilection. Le mur comme support idéal pour donner libre cours à son imagination, échanger et communiquer avec les gens.
Première monographie de l'artiste retraçant 18 ans de créations et de peintures - Bilingue français-anglais.
« Ador peint depuis 2003. Il adore raconter des histoires, de contes, rigoler, rebondir et tourner les choses en dérision. Ses peintures envahissent les pages de cette monographie comme il recouvre les murs. » Ador has been painting since 2003. He loves to tell stories and tales, to laugh, to bounce and to make fun of things. His paintings invading the pages as he covers the walls.
Extrait Léo Bioret, préface Olibrius Ador -
Les arpenteurs de rêves : dessins du musée d'Orsay
Leïla Jarbouai, Guillaume Ambroise, Florence Rionnet, William Saadé, Collectif
- In fine
- 13 Juillet 2022
- 9782382030950
À travers une sélection de près de deuxcents dessins, carnets, aquarelles et pastels des collections du musée d'Orsay, ce livre estune invitation àuncheminement poétique au coeur des arts graphiques dela seconde moitié du XIXesiècle etdu début du XXesiècle.
Des feuilles de plus de soixante-dix artistes, parmi lesquels Gustave Doré, EdgarDegas, Édouard Manet, MarieBracquemond, Gustave Moreau, OdilonRedon, PaulGauguin, Maurice Denis etPierreBonnard, sont réunies et étudiées autour de cinq thèmes liés àl'imaginaire etaurêve : « Derrière les paupières », ou regards intérieurs, « Expériences oniriques du paysage » ; « Parmonstres etmerveilles » ; « Au fil des pages » et « Dela musique avant toutechose », ou dessins inspirés par la musique. -
Exposition présentée au Musée de Grenoble, du 5 octobre 2019 au 5 janvier 2020 - en partenariat avec le Musée national Picasso-Paris.
De Royan, qui correspond à l'épisode de la drôle de guerre, à l'établissement à Paris durant l'Occupation, dans l'atelier de la rue des Grands-Augustins, l'ouvrage s'attache aux jalons artistiques marquants de cette période dont les deux sommets sont sans aucun doute L'Aubade (1942) et L'Homme au mouton (1944). Durant ces années, fidèle à son obsession pour la figure féminine, Picasso ne cesse de revenir aux thèmes du portrait et du nu. La nature morte est un autre de ses motifs de prédilection et apparaît le plus souvent comme une allégorie de l'indigence, en ces temps où la nourriture est rare et rationnée. Enfin, de manière plus explicite, à travers la représentation de crânes d'animaux mais aussi de têtes de mort, Picasso traduit, avec un authentique sens du tragique qui n'est pas sans rappeler ses racines espagnoles, le drame de ces années obscures et d'une sourde violence.
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Pionnier du mouvement de la Figuration Narrative, Erro est à la fois pop et baroque, il désire jouer avec les images, les détourner de leur quotidienneté banale pour les insérer dans un contexte méticuleusement préparé.
Tout commence à la fin des années 50 avec des ciseaux et de la colle... Publicités, journaux, affiches, propagandes politiques, bandes dessinées, il récupère tout ce qu'il voit, tout ce qu'il lit. Il découpe, il assemble et compose un collage comme une esquisse du tableau à venir.
Ce qui l'intéresse avant tout c'est notre culture visuelle et politique. De Mao Zedong à la guerre du Golfe, il raconte ce que tout le monde connaît et peut reconnaître... les figures de despote, le monde et ses conflits, la guerre des images.
En 1963, il arrive à New York et initie la série des Scapes, un flux ininterrompu d'images qui saturent la surface du tableau. Ainsi une narration infiniment complexe se met en place et laisse au spectateur sa liberté d'interprétation. « La peinture est un moyen de tenter de découvrir la signification d'un monde confus » nous dit Erro.
A bientôt 90 ans, Erro investit la Galerie Strouk en reprenant ses sujets de prédilections : les supers héros de la pop culture américaine, les mangas japonais et toujours ses hommages à Fernand Léger et Pablo Picasso. -
Jules Eugène Lenepveu (1819-1898) : peintre du monumental
Anne Esnault, Collectif
- In fine
- 13 Juillet 2022
- 9782382030790
Peintre d'histoire et excellent dessinateur, grand prix de Rome de peinture en 1847, membre de l'Institut en 1869, directeur de l'Académie de France à Rome en 1873, Lenepveu appartient à la génération des peintres académiques, remis à l'honneur en 2016 au musée d'Orsay dans l'exposition Spectaculaire Second Empire. Exact contemporain de Courbet, il connut tous les honneurs pour être au sommet de sa gloire à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle avant de sombrer dans l'oubli.
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Boriss Taslitzky (1911-2005) : l'art en prise avec son temps
Alice Massé, Bruno Gaudichon, Collectif
- In fine
- 30 Mars 2022
- 9782382030707
Accompagnant la première exposition d'envergure consacrée à Boris Taslitzky (1911-2005), ce catalogue retrace son parcours exemplaire dans le récit du XXe siècle, des années trente aux heures de la décolonisation. Marqué dès l'enfance par la guerre, profondément antifasciste, adhérent de l'Association des écrivains et Artistes Révolutionnaires puis du Parti communiste dès 1935, Taslitzky s'engage dans la Résistance avant d'être incarcéré dans les prisons françaises puis déporté en 1944 au camp de Buchenwald.
Témoin et acteur des grands bouleversements de son siècle, seul sur [son] chemin, mais solidaire de ceux qui font l'Histoire , conscient de sa responsabilité d'homme et d'artiste, Taslitzky veut croquer dans la vie, fixer l'instant, nier l'indifférence . Il assume l'ambition d'une peinture d'histoire revivifiée par l'héritage romantique. Attentif à la réalité dans son devenir , Taslitzky évite le risque de l'imagerie politique et défend un « réalisme à contenu social » qui vise moins à témoigner qu'à « raconter la vie des hommes de [son] temps ». C'est cet humaniste qu'il s'agit de redécouvrir, et son oeuvre prolifique qui oscille entre la joie et l'outrage et interroge les notions de mémoire et de résilience, de résistance et de création. -
Sur les traces du Saint Thomas de Velázquez : dans la poussière de Séville
Constantin Dury, Guillaume Kientz, Collectif
- In fine
- 17 Juin 2021
- 9782382030417
Dès les origines du musée d'Orléans au XIXe siècle, le Saint Thomas fait partie du coeur des collections. Le célèbre historien de l'art Roberto Longhi le reconnaît en 1920 comme un chef-d'oeuvre du jeune Velázquez encore installé dans sa ville natale.
Ce livre brosse un large paysage de l'histoire de ce tableau, remontant le temps des cimaises d'Orléans jusqu'à sa création dans la poussière de Séville, premier port d'Europe, pont entre deux mondes.
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How Kahlo collected, celebrated and depicted Mexican folk arts in both her painting and her persona.
The visionary and supremely self-fashioning artist Frida Kahlo (1907-54) drew inspiration throughout her career from arte popular--painted ceramics, embroidered textiles, religious votives, effigies and children's toys, and other objects created in Mexico's rural and Indigenous communities. The hundreds of folk-art objects that filled her home and studio attest to her nationalist politics and her fascination with the work of carvers, weavers, sculptors of papier-mâché and vernacular painters. She depicted these objects in her paintings and adopted elements of traditional dress and ornament in her own self-presentation, playing on modernist fascination with folk culture and on her own relation to layered Mexican identity.
This bilingual book, the first in-depth exploration of Kahlo's varied and sophisticated responses to arte popular, situates her within the broad artistic and intellectual movements of her time, examines her professional ambitions and illuminates the innovative techniques she used in her lifelong encounter, both playful and powerful, with the folk art of Mexico. -
« A mon avis, modeste comme il définit son art, Di Rosa (Hervé) est comme qui dirait un descendant direct de Rimbaud ( pas le seul ), le contraire d'un suiveur, au sens où sans chercher il en retrouve une intuition majeure dans son propre cheminement et dans sa propre discipline. Descendant direct de ce Rimbaud qui, lui-même neveu prodige de Flaubert, est comme qui dirait un héritier direct de Frédéric Mistral, lui même frère ennemi de Victor Hugo, tous deux enfants (comme nous tous) d'une situation culturelle unique au monde dont on peut faire remonter la première expression poétique, anticipatrice, à François Villon. Ce Rimbaud que liront assidûment Kérouac et Dylan (bien choisis entre mille autres) et dont ils porteront partout la manière de « voyance » sans jamais pouvoir imaginer quelle en est la matrice. Voilà pour le départ j'irai ailleurs ensuite ou pendant. Ai-je assez embrouillé ce qu'il faut débrouiller ?
Aujourd'hui, l'oeuvre de Di Rosa (peintre, étudieur sur place et utilisateur des techniques artistiques de nombreux pays, ethnographe des Arts Modestes, collectionneur, inventeur et animateur d'un Musée excentrique) fait la figue (contre-pied/ pied de nez/ nez au vent/ vent d'autan/ autant en emporte/ les épigones ...). » Claude Sicre (extraits)
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Paul Durand-Ruel et le post-impressionnisme
Claire Durand-Ruel Snollaerts, Jacques-Sylvain Klein, Collectif
- In fine
- 6 Mai 2021
- 9782902302758
Le marchand d'art Paul Durand-Ruel a consacré sa vie à défendre les peintres de l'École de 1830 (Delacroix, Corot, Daubigny, Millet) puis les impressionnistes. On ignore généralement qu'il a apporté la même énergie à soutenir cinq peintres de la génération post-impressionniste, entrés dans son écurie au milieu des années 1890 : Henry Moret, Maxime Maufra, Gustave Loiseau, Georges d'Espagnat et Albert André.
L'exposition qui leur est consacré à la Propriété Caillebotte fait revivre ces peintres de grand talent.
Claire Durand-Ruel Snollaerts et Jacques-Sylvain Klein se sont attachés à étudier leurs oeuvres et à éclairer les liens qui les unissent. Ils ont dépouillé les archives de la maison Durand-Ruel - catalogues d'exposition, livres de stock, de comptabilité et remis en dépôt - et exploité la passionnante correspondance échangée avec leur marchand. Ils nous livrent ici un travail de première main, éclairant une période très riche de l'histoire de l'art.
The art dealer Paul Durand-Ruel championed the painters of the School of 1830 (Delacroix, Corot, Daubigny, Millet) and then the impressionists. But few today are aware that with just as much enthusiasm he supported five painters of the post-impressionist generation whom he began to represent in the middle of the 1890s: Henry Moret, Maxime Maufra, Gustave Loiseau, Georges d'Espagnat and Albert André.
With the present exhibition, the Caillebotte Property aims to bring new life to these talented painters.
Claire Durand-Ruel and Jacques-Sylvain Klein have striven to explore their works and bring to light the bonds that unite them. They have meticulously searched the archives of the Durand-Ruel gallery - exhibition catalogues, accounts of inventories, of finances and of deposits - and they have combed the fascinating correspondence exchanged between the dealer and the artists. Here they deliver a firts-rate work which illuminates a very rich period in the history of art. -
Les Flandrin artistes et frères ; Hippolyte, Paul, Auguste
Elena Marchetti, Stéphane Paccoud, Collectif
- In fine
- 25 Mars 2021
- 9782382030172
Hippolyte (1809-1864), Paul (1811-1902) et Auguste (1804-1842) Flandrin, originaires de Lyon, comptent parmi les peintres les plus importants de la scène artistique française au milieu du XIXe siècle.
Cet ouvrage présente leur travail à la lumière de recherches et de découvertes récentes - parmi lesquelles la restauration des décors de l'église Saint-Germain-des-Prés à Paris -, réunissant un corpus de près de trois cent cinquante oeuvres, pour une large part inédit. Il s'attache tout particulièrement à révéler le processus créateur des trois frères artistes, ainsi que leur pratique collaborative originale. Au fil des pages et des thématiques, il invite à découvrir leur parcours, de leur formation auprès de Jean Auguste Dominique Ingres à leurs grandes réalisations, en questionnant leur langage formel et la manière dont celui-ci s'inscrit dans des jeux d'influence ou répond à des traits singuliers. Cette exploration s'achève par une évocation de leur héritage, de Degas à la création contemporaine. -
How artists from Hiroshige and Kuniyoshi to Whistler and Arthur Wesley Dow embraced and transformed Hokusai's dynamic style and innovations.
The great painter, book illustrator and print designer Katsushika Hokusai (1760-1849) has become the best known of all Japanese artists and one of the most famous and influential artists in the world. He was a key figure for the Japonisme movement in late 19th-century Europe, and his iconic images--especially the color woodblock print nicknamed "The Great Wave"--are frequently referred to in present-day art in both serious and frivolous forms, from sculpture, printmaking and painting to anime and emojis.
This book looks at Hokusai from the viewpoint of fellow artists who incorporated lessons learned from him into their own work, including Hokusai's own students, his contemporary rivals and his many posthumous admirers working in a wide range of mediums, in Japan and around the world, from the late 19th century to the present. Lavishly illustrated and accompanied by illuminating and engaging texts, this publication invites readers to encounter the origins and enduring appeal of Hokusai's delightful art.
Artists include: Félix Bracquemond, John Cederquist, Arthur Wesley Dow, Hiroshige, Sori Hishikawa, Hokkei, Hokusai, Winslow Homer, Loïs Mailou Jones, Henri Gustave Jossot, Shun'ei Katsukawa, Shunsho Katsukawa, Oi Katsushika, Eisen Keisai, Korin, Kuniyoshi, Paul Legrand, Manjiro Hokuga, Ogata Korin, Odilon Redon, Henri Rivière, Hoitsu Sakai, Hokuju Shotei, Hokushu Shunkosai, Kogan Tobari, Hokkei Totoya, Toyoharu Utagawa, Utamasa, Édouard Vuillard, James Abbott McNeill Whistler, Samuel Wilson and Shigenobu Yanagawa. -
Corinne Deville, 1930 - 2021 : vivre en peinture
Anne-Marie Dubois, Margaux Pisteur
- In fine
- 28 Septembre 2022
- 9782382030998
Les oeuvres de Corinne Deville nécessitent une observation minutieuse pour en saisir toute la portée. Elles sont le reflet de la grande culture de l'artiste, qui était par ailleurs lectrice assidue, collectionneuse d'objets et, ici, créatrice de mondes. Corinne Deville pourrait aisément être associée à l'art naïf pour ses sujets jolis et la planéité de ses compositions, ou à l'art brut pour ses assemblages d'objets détournés et la grande fresque qu'écrit sa peinture. L'art populaire pourrait également être évoqué en raison de ses références à une culture visuelle et à des formes d'art régional ou à l'art moderne pour ses aplats de couleur et ses thèmes d'inspiration folklorique.Visionnaire comme l'était Arthur Rimbaud, livrant des bribes d'un univers intérieur, Corinne Deville ajoute à ce dernier une chronique de son univers extérieur. Son oeuvre apparaît alors aujourd'hui comme celle des tableaux de sa vie, elle-même rendue en peinture.
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François Depeaux, collectionneur des impressionnistes
Sylvain Amic, Joanne Snrech, Collectif
- In fine
- 4 Juin 2020
- 9782902302741
Tout au long de sa vie, François Depeaux (1853-1920) s'est intensément passionné pour l'Impressionnisme, collectionnant près de 600 oeuvres parmi lesquelles plus de 60 Sisley, 20 Monet, mais aussi des Renoir, Toulouse-Lautrec, Pissarro, et un vaste ensemble de l'École de Rouen. Entrepreneur et philanthrope rouennais, François Depeaux a écrit certaines des plus belles pages de l'histoire de la ville, dont il a ardemment promu le développement. L'entrée de la donation Depeaux au musée des Beaux-Arts de Rouen en 1909 a constitué un événement considérable pour l'Impressionnisme.
Ce catalogue, publié à l'occasion de la première exposition consacrée à François Depeaux, permet d'entrer dans l'intimité d'une personnalité hors norme, et de mesurer l'ampleur d'une collection, probablement l'une des plus riches de tous les temps, aujourd'hui dispersée dans les musées du monde entier.
